Dr.OHIRA's HOBBY ROOM

WISH YOU WERE HERE (PINK FLOYD) / 1975年9月発売

1975年に発売されたPINK FLOYDのアルバムで全英・全米第1位という大ヒットを記録しました。ジャケットはPINK FLOYDには欠かせないアートワーク集団ヒプノシス(Hipgnosis)によるものです。邦題の「炎～あなたがここにいてほしい」は日本での発売にあたって　メンバーからの要求によるものといわれています。

先に紹介したロック史に燦然と輝く不朽の名作といわれる「THE DARK SIDE OF THE MOON（狂気）」が　当の本人達も二度と超えることのできない完成度を誇る歴史的名盤というのは多くの人々が認めるところです。しかし、そうであったために必然的に次作品には全世界からの期待がかかり、相当な重圧のもと　遅々として進まないレコーディングでバンドが解散寸前まで追い詰められて完成したのがこのアルバムであるといわれています。
私はこのアルバムを30年以上聴いていますが、David Gilmourの刺激的ではあるが時に心地よく眠気を誘う彼のベスト・プレイといえるギターが聴けるすばらしいアルバムと思っています。

メンバーは否定していますが、「Shine On You Crazy Diamond」と「Wish You Were Here」はデビュー前から独特のカリスマ性をもって実質的にリーダーとしてバンドを牽引してきたSyd Barrettにささげられた歌だといわれています。

このアルバムの一番の聴きどころは始まりと終わりに分けて収録された「Shine On You Crazy Diamond」です。なかでも曲のほとんどを埋め尽くしているDavid Gilmourのギターは　すばらしいの一言です。ただのProgressive Rockのギタリストではありません。彼のブルースを基調としたリフは要所で聴く人を引き付け、刺激します。彼の泣きのブルース・ギターといわれるプレイこそがPINK FLOYDの魅力であり、その後のバンドにおけるギタリストとしての地位を確固たるものとしました。また　この曲におけるRichard Wrightのシンセサイザーも　曲に幻想的で重厚感のある雰囲気を与えるのに非常に貢献していると思われます。

このアルバムはすばらしい作品だと思いますが、評価が今一つなのは　大作「Shine On You Crazy　Diamond」の間にはさまれる「Welcome To The Machine」「Have A Cigar」「Wish You Were Here」のできがいま一つなのが原因になっているのかもしれません。前作があまりにもすばらしかったので仕方のない結果なのでしょうか。

Sir Paulの長年の功績に対する主催者からの感謝の演出がこれでした

B1ブロック、前から3列目でした

早くも武道館公演のboot CD登場です（上・下）

2015年4月28日、Paul McCartneyの日本武道館公演に行って来ました。
THE BEATLESとしての初来日から49年ぶりにPaulが武道館のステージに立つということで注目されたコンサートでした。また全国のニュースでも多くの時間を割いて報道されました。何万人もの人が　コンサート終了から2週間経った現在でも　いまだ興奮と感動が覚めず、幸せな気分に浸っているに違いありません。Rock’n Roll の力は偉大です。

公演は予定時間よりかなり遅れて20時頃にはじまり、22時前に終わりました。全30曲とドーム公演に比べて演奏曲数も少なくなっていました。しかし　会場が小さいだけに観客の興奮と熱気もじかに伝わってきました。後半Let it beの演奏をポールが始めると、武道館の観客全員が事前に装着してたリストバンド型ライトが一斉に光りポールを驚かすという主催者が用意したサプライズで ポールが感動して涙ぐむ場面もありました。
また　アルバムではJohnが歌っていた One After 909, Being For The Benefit Of Mr.Kite や　世界で初めて披露するという Another Girlを聴くことができました。

コンサートも最終日でPaulの声の状態もベストの状態ではありませんでしたが、1万人の人々と感動を共有できました。あの伝説の人がすぐそこにいたのです！。まさか　自分が生きてるうちにYesterday を生で聞けるとは思っていませんでした。

THE BEATLESのLennon-McCartneyは稀代のヒット・メーカーとされています。彼らの多くの曲に共通するものは　① Upbeatのテンポの曲が多い　②覚えやすいシンプルな歌詞である　③覚えやすいシンプルなリフを持った曲である　④演奏時間が3分以内である　　という重要な共通点があります。

60年台後半から70年台前半に我々を熱狂させてくれたような音楽は今はあまりありません。もう一度原点に戻る「GET BACK」必要があるかも知れません。
（武道館セットリスト）

Can’t Buy Me Love
Save Us
All My Loving
One After 909 ※日本公演本編では初披露
Let Me Roll It
Paperback Writer
My Valentine
Nineteen Hundred and Eighty-Five
Maybe I’m Amazed
I’ve Just Seen A Face
Another Day
Dance Tonight ※日本初披露
We Can Work It Out
And I Love Her
Blackbird
New
Lady Madonna
Another girl　※世界初披露
Got To Get You Into My Life　※久しぶり
Being For The Benefit Of Mr. Kite!
Ob-La-Di, Ob-La-Da
Back In The U.S.S.R.
Let It Be
Live And Let Die
Hey Jude

Yesterday
Birthday ※日本公演本編では初披露
Golden Slumbers / Carry That Weight / The End

THE DARK SIDE OF THE MOON (PINK FLOYD) / 1973年3月発売

THE DARK SIDE OF THE MOON は1973年に発売されたPINK FLOYD の7作めのスタジオ録音アルバムです。THE BEATLES で有名な英国のAbbey Road Studio で録音されました。
1973年に発売されるや　全世界で大ヒットを記録し、アメリカ・ビルボードのBillboard200 において1973年4月２８日付けでPINK FLOYDとしては全米チャートで初の1位を獲得、またBillboard200に15年間（７４１週連続）にわたってランクインし続け、さらに発売後２年を経過したアルバムのみのチャートであるカタログチャートでは30年以上（1630週以上）に渡ってランクインするというロングセラーの記録を打ち立てた歴史的アルバムで現在も記録を更新中です。このため　「年代を問わない　２０世紀が生んだ文化作品」とも呼ばれています。世界中での売り上げ枚数はおそらく世界一で、統計上では誰かが常にこのアルバムを聴いており、イギリスでは5軒に1軒はこのアルバムを所有していることになると言われています。

アルバムジャケットはヒプノシス(Hipgnosis)によるもので　非常に印象深く、ロック史上　最高傑作の一つと評価されています。

このアルバムは　すべての人間の内面に潜む「狂気―The Dark Side Of The Moon」をテーマにしたコンセプトアルバムです。しかし　単なるコンセプトアルバムというわけではなく　「この世で最も完璧なアルバムで　アルバム1枚を使ってロック音楽を芸術の域まで高めた」という最高の評価もある、プログレッシブ・ロックというジャンルを超えたロック史に残る不朽の名作です。

このアルバム以降、サウンド面ではDavid Gilmourのセンスが反映されているものの、Roger Watersが全作詞を手掛けるようになったことからバンド内での曲作りのバランスに大きな変化が生まれました。この点でこのアルバムは重大な意味を持つ作品となりました。人間の内面に潜む「狂気―The Dark Side Of The Moon」を描き出すというコンセプトを考案したのもWatersとされています。

この作品はアルバムの最初から最後まで　曲と曲がメドレーでつながり、複数の曲をあたかも1つの作品のようにすることで　人間の一生を輪廻転生するがごとく描いています。Watersによる哲学的な歌詞に加え、それを際立たせる立体的な音作りで完成度の高い作品が出来上がっています。特に笑い声、会話、爆発音、時計の音、レジスターの音、心臓の鼓動音などが効果音として随所に使われていることが本作品の特徴です。
Watersの詞の内容は難解で日本人には分かりにくいので　本作品を聴く場合はサウンド中心になってしまいがちです。なんと言ってもPink Floydのサウンドの中心はGilmour のギターです。この作品では以前の作品に比べてギターの音のdistorsionが強くなり、ブルース色を強く感じさせるものとなっています。

収録曲

1. Speak To Me : Nick Mason のドラムで作った心臓の鼓動音の効果音

2. Breathe : ベースの心地よいリズムにGilmour のスライドギターがからみ、何とも言えない浮遊 感を生み出しています。成長することは死に近づくということという不吉な歌詞によって導かれる狂気の世界が始まります。

3. On The Run : 焦燥感をあおるようなシンセサイザーの音を使った曲

4. Time ～Breathe : 時計が一斉に鳴り出す効果音に驚かされます。さらにGilmour のギターソロと女性バックコーラスが素晴らしいBreatheへと続きます。

5. The Great Gig In The Sky―虚空のスキャット : 前半のクライマックスとなる曲で、女性ヴォーカルのスキャットが素晴らしい官能的な曲です。

6. Money : 出だしのベース・リフとキャッシュレジスターの効果音が有名な曲です。サックス・ソロとギター・ソロがともに素晴らしい出来です。

7. Us And Them : 強い浮遊感と高揚感が押し寄せて来て　圧倒されます。

8. Any Color You Like : 後半のクライマックス前のシンセサイザー中心の曲です。

9. Brain Damage : 狂気は誰の心にも存在するという詞を歌い上げています。バックの女性コーラスが実に素晴らしく、不気味さを演出しています。

10. Eclipse－狂気日食 : 圧巻のラストナンバーで　歌詞がすべてです。

（収録曲）上下対訳になっています。

PINK FLOYD LIVE AT POMPEII ( PINK FLOYD ) / 1972年9月公開

PINK FLOYD LIVE AT POMPEII はPINK FLOYD のライブを収録した映像ドキュメンタリーです。一般のライブと異なり、PINK FLOYDのライブ・ドキュメンタリー作成目的にイタリアのPompeii にある遺跡で無人の観客という状況で行われたライブです。監督のArrian Maben によるとこの映像盤は　ライブ盤と言われているが、実はPINK FLOYDの演奏する姿を描きつつ、一つの世界観を描いた映画といってよい作品なのだそうです。

1972年９月に一般公開されましたが、日本では1973年にNHKの番組「ヤング・ミュージック・ショー」で放映され話題になりました。LD,VHS,DVD は発売されていますが、CDは公式には発売されていません。

この映画ではバンドの当時の新曲「Echoes」の前半と後半を分けてコンサートのオープニングを「Echoes Part 1」として幕を開けました。その後、「Careful With That Axe Eugene」「A Saucerful Of Secrets」「Us And Them」「One Of These Days」「Mademoiselle Nobs」「Brain Damage」「Set The Controls For Heart Of The Sun」が演奏され、最後を「Echoes Part 2」で締めくくっています。この作品ではDavid Gilmourのギターを中心とした彼らの初期の演奏の完成された形を見ることができます。

ライブ会場をPompeii に選んだというのは大正解だったと思われます。古代遺跡の持つ神秘性とProgressive Rock と言われた彼らの音楽の先進性が映像を通して見事に合致しています。

撮影されたのは1971年10月。約2000年前に建立された円形劇場が舞台となった

MEDDLE – おせっかい ( PINK FLOYD ) / 1971年11月発売

MEDDLE（おせっかい）は前作のATOM HEART MOTHER（原子心母）からちょうど1年後の1971年11月に発売されたPINK FLOYD にとって7枚目のアルバムです。アルバム・ジャケットは前作同様ヒプノシス(Hipgnosis) が手掛けています。公式の発表がないのでよくわかりませんが、裏ジャケットにある巨大な耳と表ジャケットの波紋が最後の曲「Echoes」のイメージを表しているとする解釈もあります。

本アルバムはSyd Barrett 脱退後、初めてバンドのみの手によって作り上げられた完全なオリジナル作品です（前作はRon Geesinがアレンジを担当）。わずか１年前に発表された壮大な組曲「ATOM HEART MOTHER」と同じ組曲「Echoes」を含んだこのアルバムの成功で彼らの人気は決定付けられました。本作品は前作のAB面を逆にしたような構成になっていますが、前作で行ったようなオーケストラとの競演をやめ、録音技術を駆使してロックバンドのみでできる最高の音つくりを目指したことが特徴です。その点でサウンドのダイナミックスさは前作よりもシンプルになってしまいましたが、詩的なイメージはさらに広がり、ボーカルや演奏自体はさらに奥深くなったと感じられます。

前半のメインは１曲目の日本でも大ヒットし、アブドラ―・ザ・ブッチャーの入場テーマ曲にもなった「吹けよ風、呼べよ嵐ーOne Of These Days」です。PINK FLOYD らしい素晴らしい曲で、綿密に計算された録音テクニックの粋を集めて構成されています。特筆すべきは冒頭での不気味なベースによる効果音です。最後の「Echoes」でもそうですが、ベースによる効果音が実にうまく使われていて曲の神秘さを演出しているのがこのアルバムに見られる特徴です。

続く「A Pillow Of Winds」 から「Seamus」 までは前作のB面を構成していた曲と同類でアコースティック・サウンドを中心としたものですが、フォークっぽい曲、ブルージーな曲が多く聴けます。

そしてこのアルバムの大本命は２３分２７秒におよぶ超大作「Echoes」です。この作品は Progressive Rock の代表作ともいえる名作です。しかもこの作品には難解なところがなく、非常に分かりやすいというのが特徴です。この作品は4つか５つかのパートで成り立つ、いわゆる組曲で前作「ATOM HEART MOTHER」の流れを組むものと考えてよいでしょう。自然の音、電子楽器による効果音のパート、ボーカルのパート、ギター・キーボードが中心となる演奏のパートが組み合わされて１つの壮大な組曲が構成されています。前作でも見られましたが、作品全体に漂う何とも言えない「浮遊感」が聴く人にとって非常に心地よく、23分はあっという間に過ぎてしまいます。

この「浮遊感」を感じさせるサウンドのの最大の主役はDavid Gilmour の弾くFender Stratocaster で、　このアルバム以降のPINK FLOYD のアルバムではGilmour のギターが彼らのサウンドの中心となりました。

そして名曲「Echoes」の誕生が次の名盤「THE DARK SIDE OF THE MOON －狂気」へとつながっていきます。

ATOM HEART MOTHER ( PINK FLOYD ) / 1970年10月発売

PINK FLOYD（ピンク・フロイド）は、イギリス出身のロック・バンドです。彼らの前身は　1965年、Roger Waters, Richard Wright, Nick Mason らが結成したバンドで　その後　PINK FLOYD と改名し、Syd Barrett が加入してから本格的な音楽活動に入りました。しかし　Syd の薬物依存によるバンド脱退後　David Gilmour が加入してからが　黄金期と言われています。
彼らはサイケデリック・ロックやブルース、フォークを織り交ぜた壮大で幻想的な独特のサウンドを創り出し、大掛かりな仕掛けでライトショーといわれる視覚と聴覚に訴えるライブを行い、哲学、政治、文学的な歌詞で世界的に人気を博しました。いわゆる Progressive Rock の代表格として扱われるバンドです。

代表作である「THE DARK SIDE OF THE MOON－狂気」は 5,000万枚、「THE WALL」は 3,000万枚、「WISH YOU WERE HERE」は　2,300万枚というセールスを記録し、2012年で総売り上げは2億3000万枚と商業的にも大成功を収め、今だに売れ続けています。

「原子心母、原題　ATOM HEART MOTHER 」は 1970年に発表された PINK FLOYD のスタジオ録音アルバムで　ロンドンのあの有名なAbbey Road スタジオで録音されました。1968年に結成されたイギリスのデザイン・グループであるヒプノシス( Hipgnosis ) による牛のジャケットも有名です。このアルバムは Progressive Rock を代表する名盤とされ、全英初登場１位、全米５５位を記録するなど各国でヒットしました。その要因として　Syd Barrett が在籍中の彼らのアルバムはアンダーグラウンド的で難解な作品が多かったのが、彼の脱退後、　David Gilmour が加入し　分かりやすく　聴きやすい内容になったことが考えられます。
表題曲の「原子心母」は２３分を超える大作で　ストリングスやブラスバンド、コーラス隊などを大胆に使った作品です。原題の「ATOM HEART MOTHER」は原子力駆動の心臓ペースメーカーを体内に埋め込んだ女性の新聞記事「Nuclear drive for woman’s heart 」から取られたものとされています。制作は困難を極めたため　メンバー４人だけでなく　Roger Waters の知人の Ron Geesin がアレンジを担当しています。アルバムにはこの曲の他にもバンドのメンバーによる書き下ろし曲と全員による共作も収録され、こちらも結構良い出来なのですが「原子心母」が大作すぎて　あまり話題にならないのは残念です。
この時代 Progressive Rock 界において　クラシック音楽とロックの融合を試みるのが流行で、最も成功したのが EMERSON LAKE & PALMER の「展覧会の絵」とPINK FLOYD の「原子心母」であったと言われています。

「原子心母」を初めて聴いた時の衝撃は忘れられません。最初はオーケストラの音出しのリハーサルを思わせる出だしから始まり、やがて意味もなくバイクの爆音が右チャンネルから左チャンネルへと駆け抜けた後、原子心母の美しいテーマ・メロディーをバイオリンとWright のキーボードが奏でます。この部分のキーボード演奏は実に上手く、効果的です。全編にわたり　コーラスは入るものの　ボーカルはありません。オーケストラ、コーラス、ギター、キーボードが入り混じって　盛り上がりを繰り返しながら　最後に壮大なフィナーレを迎えます。もうこれは現代のクラシック音楽と言ってよいかもしれません。
この作品全体を通して　重要な特徴は　聴く人の気分をリラックスさせてくれる「浮遊感」が常に感じられることです。先に紹介した KING CRIMSON の作品でも独特の浮遊感を感じることが出来ましたが、それはメロトロンという楽器によるものでした。しかし　この「原子心母」で感じられる浮遊感の秘密はDavid Gilmour の巧みなギター・プレーにあります。彼は Fender Stratocaster の使い手として有名ですが、トレモロを効かせた　歪のない高音の澄み切った音は　現在の様にeffector の発達していなかった1970年当時ではStratocaster でしか出せませんでした。彼のギター・プレーはスペース感、つまり宙に浮いている様な感覚をもたらす独特のもので、さらにRichard Wright? のキーボードも加わって　誰もまねの出来ない音響空間が創り上げられました。彼らがこのアルバムで創り上げた音は後のアルバムにも引き継がれ、その後　PINK FLOYDは現在まで４０年以上にわたって Progressive Rock界におけるゆるぎない地位を確立しました。

２０１０年の「ローリング・ストーン誌が選ぶ歴史上最も偉大な１００組のアーティスト」においてPINK FLOYD は第５１位です。

PINK FLOYD ( 左から R.Wright, D.Gilmour, N.Mason, R.Waters )

ライトショーと言われた PINK FLOYD のライブ

ローリング・ストーン誌の選ぶ歴史上最も偉大な100組のアーティスト(2010年）

1. The Beatles
2. Bob Dylan
3. Elvis Presley
4. The Rolling Stones
5. Chuck Berry
6. Jimi Hendrix
7. James Brown
8. Little Richard
9. Aretha Franklin
10. Ray Charles
11. Bob Marley
12. Beach Boys
13. Buddy Holly
14. Led Zeppelin
15. Stevie Wonder
16. Sam Cooke
17. Muddy Waters
18. Marvin Gaye
19. The Velvet Underground
20. Bo Diddley
21. Otis Reading
22. U2
23. Bruce Springsteen
24. Jerry Lee Lewis
25. Fats Domino
26. The Ramones
27. Prince
28. The Clash
29. The Who
30. Nirvana
31. Johnny Cash
32. Smokey Robinson and the Miracles
33. The Everly Brothers
34. Neil Young
35. Michael Jackson
36. Madonna
37. Roy Orbison
38. John Lennon
39. David Bowie
40. Simon and Garfunkel
41. The Doors
42. Van Morrison
43. Sly and the Family Stone
44. Public Enemy
45. The Byrds
46. Janis Joplin
47. Patti Smith
48. Run-DMC
49. Elton John
50. The Band
51. Pink Floyd
52. Queen
53. The Allman Brothers Band
54. Howlin’ Wolf
55. Eric Clapton
56. Dr. Dre
57. Grateful Dead
58. Parliament and Funkadelic
59. Aerosmith
60. The Sex Pistols
61. Metallica
62. Joni Mitchell
63. Tina Turner
64. Phil Spector
65. The Kinks
66. Al Green
67. Cream
68. The Temptations
69. Jackie Wilson
70. The Police
71. Frank Zappa
72. AC/DC
73. Radiohead
74. Hank Williams
75. Eagles
76. The Shirelles
77. Beastie Boys
78. The Stooges
79 The Four Tops
80. Elvis Costello
81. The Drifters
82. Creedence Clearwater Revival
83. Eminem
84. James Taylor
85. Black Sabbath
86. Tupac Shakur
87. Gram Parsons
88. Jay-Z
89. The Yardbirds
90. Carlos Santana
91. Tom Petty
92. Guns n’ Roses
93. Booker T. and the MGs
94. Nine Inch Nails
95. Lynyrd Skynyrd
96. Diana Ross and the Supremes
97. R.E.M.
98. Curtis Mayfield
99. Carl Perkins
100. Talking Heads

PICTURES AT AN EXHIBITION ( E,L&P ) / 1971年11月発売

EMERSON, LAKE & PALMER

EMERSON, LAKE & PALMER ( ELP ) は Keith Emerson (Key), Greg Lake (Bass), Carl Palmer (Drum) の3人が結成した progressive rock に分類されるイギリスのバンドです。彼らが1970~71年にかけて　EMERSON LAKE&PALMER, TARKUS という2枚のアルバムを発表した後に、1971年末に発表したのが　ライブ盤であるこの PICTURES AT AN EXHIBITION（展覧会の絵）です。

ロック・バンドが成立するためには　ふつう 3 pieces つまり　ギター、ベース、ドラムの３人が最低必要とされています。ところが　このバンドにはギター・プレーヤーが存在せず（Lake が時々アコースティックギターを弾いていますが）、代わりにキーボード・プレーヤーが入ってキーボード、ベース、ドラムの 3 pieces 構成となっています。つまり ジャズ・バンド　スタイルです。この時代のロックは派手なギター・リフを武器にギター、ベース、ドラムの達人が戦いを繰り広げるというのが常道で　ロック・ギターの歪んだ音によって得られる「破壊的パワー」は必須のものでした。ギター不在のロックバンドで当時成功を収めたのはこのバンド以外には思い浮かびません。それくらいロック・バンドにとってギター・プレーヤーというのは重要な存在だったのです。

ギター不在の場合、必然的にキーボードがメロディー、ソロ、ハーモニー等のサウンドの上層部全般を担う必要が出てきますが　ELP の場合、キーボードのKeith Emerson が卓越した技量でムーグ・シンセサイザーやハモンドオルガンを演奏してこの役割を果たし、さらにベースのGreg Lake がワウやファズ・トーンをかけた目立つベース・ラインやベース・ソロを弾くことでギター・パートを補い、そしてCarl Palmer の著しく手数が多く　歯切れがよいドラムのおかげでギターがあるのと同じ迫力の演奏を行っています。

Keith Emerson の最大の功績はムーグ（正確にはモーグと発音）・シンセサイザー（Moog Synthesizer）の魅力を世界中に知らしめ、その発展の立役者となったことです。それ以前にもTHE BEATLES が1969年発売のアルバムABBEY ROAD の中でムーグ・シンセサイザーを使用して知名度を高めましたが、Keith Emersonは　さらにムーグ・シンセサイザーが楽器として無限の可能性を秘めていることに気付いていたのです。彼があそこまで使用していなかったら楽器メーカーも開発しなかったかもしれません。

ムーグ・シンセサイザーは ELP の代名詞とまで言われていますが、演奏の主役はdistortion を効かせたハモンド・オルガンとピアノで、　クラシックとジャズからの影響を多く受けた?Keith Emerson?のプレイは当時のロック界では天才と評価され、要所要所で聴かせてくれるシンセサイザーの音色は当時のprogressive rock に大きな影響を与えたと言われています。

このアルバムの原曲は１９世紀のロシアの作曲家ムソルグスキーのピアノ組曲「展覧会の絵」です。このELP バージョンは管弦楽用に　Maurice Ravel が編曲したバージョンを手本にしています。但し、そっくりそのままコピーするのではなく、組曲の中からの抜粋でありオリジナル曲を編入したり、新たに歌詞を加えたりしています。

アルバムの始まりはKeith Emerson?のハモンド・オルガンがロック色を強く押し出す有名な「Promenade－プロムナード」です。この中では舞台となった Newcastle City Hall に1928年に設置されたHarrison & Harrison pipe organ も使用されて荘厳な雰囲気を創り出しています。「The Gnome－こびと」を経て再度「Promenade」。そしてGreg Lake のオリジナルとなる静かで落ち着いた曲「The Sage－賢人」、ここではLakeのすばらしいアコースティック・ギターに乗って彼の力強いボーカルが聴けます。このあたりは　Lake がかつて在籍したKING CRIMSONが思い出させられます。そして静けさの中に突然シンセサイザーの甲高い音が響き渡るというEmerson の天才的な演奏が展開する「Blues Variation」が始まります。Lake のベースとPalmer の力強いドラムが絡み合い　完全なロックです。
そして　再々度「Promenade」が始まります。Carl Palmer のドラムが素晴らしく　一番迫力のある「Promenade」です。続いて「The Hut of Baba Yaga－バーバヤーガの小屋」　「The Curse of Baba Yaga－バーバヤーガの呪い」ですが、クラシックを感じさせるものはあまりなく　完全なロックと言ってもよく、シンセサイザーとベースとドラムの競演です。
最後のハイラ イトが「The Great Gates of Kiev－キエフの大門」です。Lakeの力強いボーカルに加えてPalmer のドラムがこの大作を極限まで盛り上げています。

このライブの模様は1972年10月8日のNHK Young Music Show で放送され、Keith? Emersonがナイフをオルガンに突き立てるシーンが有名になりました。キーボードにナイフを突き立てるという演出（鍵盤を押しっぱなしの状態にして、手を離しても音を出すことができる）は、Keith Emerson 独特のステージ・アクションとなりました。

アンコールは「Nutrocker」でTchaikovsky の「くるみ割り人形」の１曲である「行進曲」をロックにアレンジしたものです。歯切れ良いKeith Emerson のキーボードが冴えわたるすばらしい演奏です。日本ではこのアルバムからこの曲(A)とキエフの大門(B)がシングルカットされました。

EMERSON, LAKE & PALMER?はKING CRIMSON, YES, PINK FLOYD と並んで「プログレ四天王」と呼ばれていました。これらのバンドに共通するのは圧倒的なそ演奏能力の高さで　演奏の完璧さは時に天才的と言っても良いほどです。そのような甲乙つけがたいグループの中にあってクラシック音楽を独自の解釈でロック（progressive）にアレンジした彼らの底力を反映したのが「PICTURES AT AN EXHIBITION－展覧会の絵」という名盤だと思われます。

オルガンの上に飛び乗りナイフを突き立てるKeith Emerson

EVERY GOOD BOY DESERVES FAVOUR-童夢 ( THE MOODY BLUES ) / 1971年1月発売

THE MOODY BLUES は1964年にデビューしたイギリスのProgressive Rock バンドで　世代的にはBEATLESやTHE ROLLING STONES, THE WHO などと　ほとんど変わらずロック黎明期に誕生したバンドの一つです。
バンドは John Lodge とJustin Hayward が加入してからメロトロンやシンセサイザーなどの電子楽器を駆使してProgressive な色彩をいっそう強めました。1967年発表の２nd アルバム「DAYS OF FUTURE PAST」では　1960年代の段階でオーケストラとの共演を行って新しいロックのスタイルを築き上げるなど Progressive Rock というジャンルを生み出した草分け的バンドの一つであったと言えます。その後は1968年「IN SEARCH OF THE LOST CHORD―失われたコードを求めて」、1969年「ON THRESHOLD OF A DREAM―夢幻」「TO OUR CHILDREN’S CHILDREN’S CHILDREN―子供たちの子供たちの子供たちへ」といったほとんどのアルバムが英米で大ヒットを記録し、PINK FLOYD, KING CRIMSON, YES, EMERSON LAKE & PALMERなどと共に1960~70年代のProgressive Rock Movement を支えたとされています。かつて　LED ZEPPELIN のJimmy Pageは本当にProgressive なバンドはPINK FLOYD と THE MOODY BLUES だけだと述べています。

このような経歴をもつ彼らが1971年に発表したのが「EVERY GOOD BOY DESERVES FAVOUR―童夢」でした。それまでの彼らのアルバムは歌詞に重点が置かれていたため　日本人には理解されずあまり評価されませんでした。しかし　このアルバムでは音の構成やメロディーも重視しているので、日本人にもわかりやすくなり、その結果　日本ではこのアルバムから彼らの評価が急に高まりました。

このアルバムは神秘的なジャケットが実に素晴らしく、壁に飾りたくなってしまいます。先のIN THE COURT OF THE CRIMSON KING のジャケットと同じくロックの歴史に残るジャケットと言えるでしょう。
このアルバムはProgressive Rock の世界では５本の指に入る大傑作だと断言できます。私も何回聴いたか覚えていませんが、不思議なことに何回聴いても飽きのこないアルバムです。アルバムの邦題「童夢」は原題の直訳ではないのですが、ジャケットの雰囲気や曲の印象を実に良く表している名訳と言えます。このアルバムは彼らの最高傑作と言われているだけに　捨て曲なしで　どの曲も牧歌的で美しいコーラスとメロトロンに包まれた荘厳な世界を創り出しています。

１ 曲目のProcession はシンセサイザーのフレーズで始まる　いかにもProgressive Rock と言える曲です。「Desolation」「Creation」「Communication」の３ 語のみの歌詞でシタールやメロトロンを使って荘厳な雰囲気を出し、この３ 語を使ってこのアルバムのメッセージを聴く人に投げかけているようです。２ 曲目の The Story in Your Eyes はこのアルバムの中で最もメロディアスで素晴らしい曲ですが、イントロの distortion の効いたギター・リフを聴くとProgressive Rock というよりノリのよいスピード感のあるClassic Rock と言えるでしょう。中程でのメロトロンによるコーラス、オーケストレーションが実に壮大で最大の山場を作っています。また途中に入るギター・ソロも素晴らしい出来です。
「After You Came」「Emily’s Song」「One More Time to Live」なども素晴らしい曲で、なかでも「Emily’s Song」はメロトロンのオーケストレーションが中心の浮遊感のある心休まるフレーズが聴ける曲です。
最後の「My Song」は「童夢」というタイトルどうりの子供の心が捉えた風景をそのまま具体化した様な物語性を持つ名曲です。キーボード、フルート、メロトロンなどによってどこか郷愁を感じさせるメロディーが静かに奏でられたかと思うとIN THE COURT OF THE CRIMSON KING の様にドラムの突然の盛り上がりと共にメロトロンによる壮大な交響曲の展開となり　「これこそProgressive Rock!」 と納得させられる　本アルバム中、最大のスケールを感じさせる曲です。

KING CRIMSON がそうであったようにTHE MOODY BLUES も　メロトロンなどの楽器を用いた高度な演奏テクニックに頼るばかりでなく、歌詞に重みをおき、難解な歌詞で歌の心を表現しようとしていると言えますが、これがこの時代のProgressive Rock バンドの特徴でしょう。

IN THE COURT OF THE CRIMSON KING ( KING CRIMSON ) / 1969年10月発売

KING CRIMSON ?( 1969 年 )

これまで紹介して来たアルバムは 1960年代後半から1970年代前半にかけて　ブールスを基盤とし、鳥肌の立つようなギター・リフを武器に　大観衆のいるライブ会場で大音量で押しまくる Classic Rock という分類に入る音楽でした。その最たるものが CREAM であり、その後　世界を制覇した LED ZEPPELIN でした。

ところが THE BEATLES が　アルバム ABBEY ROAD をリリースした1960年代末期には　英国の片隅でサイケデリック・ムーブメントの中からプログレッシブ・ロック( Progressive Rock ) と言われる独創的な音楽を追求する先進的な MOODY BLUES, PINK FLOYD, KING CRIMSON といったバンドが生まれました。これからしばらく　これらのバンドが生み出した傑作アルバムを紹介しましょう。なかでも　クラシックやジャズの要素を巧みにとりいれ、深遠なProgressive Rock の世界を構築した KING CRIMSON はデビュー・アルバム「In The Court Of The Crimson King」で世間を唸らせ確固たる地位を確立したばかりでなく、その後のロック史にも多大な影響を与えました。
これらのバンドの影響でProgressive Rock は70年代前半に隆盛を極め、ジャズ、クラシック、ブルースとすべてを取り入れて　高尚な主題と卓越したテクニック、難解で知的な歌詞で　労働階級のものとされていたロックを上流階級まで広める働きをしました。

KING CRIMSON というバンドの歴史はかなり長く、ギターのRobert Fripp がリーダーで不動のメンバーでした。彼は概念を表現する方法として音楽を選び、思想を音で具体化したとされる音楽家と言われています。このバンドの歴史は1969年からRobert Fripp が音楽界からの引退を宣言した2011年までとされており、この間にバンドに在籍したメンバーは実に19人にものぼります。このためアルバムを聴き比べてみると　音楽性が多様でとても同じバンドの作品とは思えません。また在籍したメンバーも素晴らしい人が多く、その後 Emerson Lake & Palmer　や YES といった著名なバンドも生まれました。

デビュー・アルバムの「In The Court Of The Crimson King」は　ギターのRobert Fripp, ボーカルとベースのGreg Lake, キーボードやサックスをはじめとするマルチ・プレーヤーで主に作曲担当のIan McDonald, ドラムのMichael Giles, そして作詞担当のPete Sinfield というメンバーで作られました。しかし　この黄金のメンバーで作られたのはこの１枚のみでした。
このアルバムはロックの歴史に残る名盤だと断言できますが、この他のアルバムは難解な曲や詞が多く、私にはよく理解できないし、良いとも思えません。

このアルバムの特徴はまず印象に残るジャケットでしょう。最近このような手の込んだジャケットを見ることが少なくなったのは残念です。
音楽的な一番の特徴は　Ian McDonald によりメロトロンが導入され、オーケストラの様な壮大な雰囲気や時には心地よい浮遊感を創り出していることです。またサックスやフルートといった当時はあまりロック・バンドで使われることの多くなかった楽器を導入し、新たな音楽を創造したのも彼の功績です。さらに　このアルバムのみの参加で　その後 Emerson Lake & Palmer を結成したGreg Lake の深みのあるボーカルとベースの腕も見逃せない点です。
作詞専門という特殊なメンバーであるPete Sinfield の功績も大です。彼の詞はかなり難解ですが、ロックミュージックに壮大なスケールの世界観を持ちこみ　バンドの方向性を決定付けたということで評価されています。

①21st Century Schizoid Man （21世紀の精神異常者）

異常者が正常で正常者が異常とみなされる未来社会を主題とした曲で　ギターのリフを前面に押し出し、ボーカルにもdistortion をかけたヘビーな曲で　この後に続く壮大な展開の曲を引き立たせるのに役立っています。ドラムのMichael Giles はジャズ畑の出身で中ほどで聴かれる彼のすさまじいプレイはまさにジャズ・ドラムです。

②I Talk To The Wind（風に語りて）

一転してメロディー・ラインの美しい曲で　フルートを前面に出した英国のトラッドな雰囲気です。異常な未来社会において　話し相手は風しかいないと歌っています。

③Epitaph（墓碑銘）

前２曲で絶望的世界を歌いつつ、この曲で未来への光を歌っています。やや暗い曲調ですが、日本人好みの音階を含んでおり　このアルバムの中では最も受け入れやすい曲です。メロトロンによるオーケストレーションが壮大な雰囲気を創り出しており、メロトロンを使った作品の中で最高傑作とされています。
作詞面では「Confusion will be my epitaph－混乱こそ我が墓碑銘」という一節はロック史に残るものとされています。
Greg Lake の声量ある澄み切ったボーカルもこの作品を素晴らしいものにするのに貢献しています。

④Moon Child

美しい曲で後半の８分間に眠気を誘う浮遊感のある演奏が延々と続きます。それが突然終わって最期の曲が始まる演出がアルバムの締めの曲を盛り上げるのになんともすばらしく役立っています。

⑤The Court Of The Crimson King（クリムゾン・キングの宮殿）

同名のアルバムの締めの曲として最高の出来の曲です。前曲が終わった後、突然のドラムのフィルインで始まり、メロトロンによる壮大なオーケストレーションが幕を開けます。ギター、ボーカルと展開して　静と動が繰り返し、ストーリーが展開して行きます。メロトロンによるオーケストレーションの音圧はすさまじく、この曲を限りなく壮大なものにしています。

このアルバムは圧倒的な演奏力、構成力、作曲力がうまくバランスされ、最初から最後まで一気に聴けてしまいます。
BS-TBS の番組「Song To Soul ～永遠の一曲」でこのアルバムが取り上げられており、Ian McDonald と Pete Sinfield が KING CRIMSON 誕生前後の状況やこのアルバム制作の秘話を語ってくれています。今後も再放送があるものと思います。

（訳詞）

EPITAPH

The wall on which the prophets wrote
Is cracking at the seams
Upon the instruments of death
The sunlight brightly gleams

When every man is torn apart
With nightmares and with dreams
Will no one lay the laurel wreath
When silence drowns the screams?

Confusion will be my epitaph
As I crawl a cracked and broken path
If we make it we can all sit back and laugh
But I fear tomorrow I’ll be crying
Yes, I fear tomorrow I’ll be crying

Between the iron gates of fate
The seeds of time were sown
And watered by the deeds of those
Who know and who are known

Knowledge is a deadly friend
When no one sets the rules
The fate of all mankind I see
Is in the hands of fools

Confusion will be my epitaph
As I crawl a cracked and broken path
If we make it we can all sit back and laugh
But I fear tomorrow I’ll be crying
Yes, I fear tomorrow I’ll be crying

予言をしたためた壁は
つなぎ目から崩れ落ち
死をもたらす武器の上
陽光は降り注ぐ
夢と悪夢に引き裂かれ
静寂が叫びを押し殺すとき
栄冠などありはしない

混乱こそ我が墓碑銘
ひび割れた小道を私は這う
なんとかなるというなら
笑って傍観してもいよう
だが私は明日を恐れ、泣き叫ぶ
明日を恐れ、泣き、叫ぶのだ

宿命の扉の狭間に
時間の種子は播かれ
知るものと知られるものが
それに水を撒く
だが掟をもたらす者なくば
知識とは厄災の友
人類の運命は愚か者の手中にある

混乱こそ我が墓碑銘
私は明日を恐れ、泣き叫ぶ
明日を恐れ、泣き、叫ぶのだ